日本动画的角色设计，一部复杂而有趣的演化史
对于一部动画而言，角色设计是最困难的环节之一，而角色设计也正是日本动画中颇具代表性的部分。上期我们分享过的内容「你名」与「国家队」的角色设计师想跟你聊聊人设那些事 就是在讨论这件事情。
今天，我们带大家来回顾一下日本动画角色设计的发展历程吧！看看会不会有什么有趣的事情刺激到你~
一、上世纪60年代
早期的日本动画角色设计受到了迪士尼的影响。角色的瞳孔会设计成巨大的椭圆形，并且占据了人物脸部的很大一部分；角色的身体由基本形状组合而成。
早期日本动画，受到迪士尼较大影响
手冢治虫是对这种设计影响最大的人，他的早期作品几乎都以此为特色。例如1963年的《铁臂阿童木》或1969年的《多罗罗》。
《铁臂阿童木》（1963）
时至今日，这种眼睛的风格仍很流行。现在被称为“萌系”的作品就可以追溯到那时，我们可以从京都动画的作品中认出这种眼睛的风格。
《AIR》（2005）
很明显，当时的这种设计并非取材于现实，而是基于对丰富情感表达的需要，这也表明在那个时代现实主义并没有真正成为设计师的着力点。进入上世纪70年代后，情况就发生了大变化。
二、上世纪70年代
上世纪70年代初的《明日之丈》里的矢吹丈是划时代的角色，他的出现象征了更复杂的设计开始出现。矢吹丈的角色外观设计更加成熟，尽管头发很简单，服装也不那么细致，但他代表着不同于60年代卡通风设计的重大转变。
《明日之丈》（1970）
这一时期的设计师还开始考虑解剖学，尝试塑造真实的身体比例。
之后的《宇宙战舰大和号》的角色设计展现出更多的细节和多样性。观众可以从衣服和头发辨认出角色，而不仅仅是通过他们的脸。
《宇宙战舰大和号》（1974）
三、上世纪80年代
对现实主义的追求与多样化审美的结合，使上世纪80年代产生了众多非常好的风格。
60年代受欢迎的孩子主角重新出现。将1982年的《超时空要塞》里的一条辉与《铁臂阿童木》做对比，就会发现设计更真实，更成熟。
《超时空要塞》（1982）
1988年的《飞越巅峰》极大地考虑了人体解剖，尤其是女性角色的身体。服装也成为了具有个性的物品；头发的设计从一个静态的块状发展成动态的部分，使头发真正成为角色身份的一个组成部分。
《飞越巅峰》（1988）
女性角色的设计在这一时期变得非常流行，并开始成为一个焦点，而不仅仅是一个情爱对象或刻意推动情节的配角。《超时空要塞》的林明美就是一位非常成功的角色。
《超时空要塞》剧场版（1984）
《银河英雄传说》中，剧中的两个主要对手，杨威利和莱因哈特几乎是靠不同头发来定义角色。
另一个巨大趋势是成熟男性的设计。通过夸张的写实肌肉和血管来展现角色成为上世纪80年代的主流。这种非常经典的设计，我们今天仍可以在《JoJo的奇妙冒险》中看到。
《北斗神拳》（1984）
在上世纪80年代中，影片《阿基拉》可能是最具象征性的角色设计。大友克洋的独特设计推动了动画效果的展现，动画里难以置信的细节也增强了影片的效果。大友克洋的角色面部设计十分复杂，得以让角色表达出丰富的情感。
《阿基拉》（1988）
简单却引人注目的服装恰好提升了表现力。以金田正太郎的服装为例，那就是一套红色的连衣裤，但又极其具有威信感，使得角色看起来像来自异世界。
岛铁雄的布料披风就是一块简单的红色布料，但它变成了他身体的一部分，在风中飘动的怪物的一部分，并且与他的其他服装形成对比。这种变化将一个普通的少年变成了一个恐怖的反派。
这部影片也显著提升了角色设计的标准。
四、上世纪90年代
上世纪90年代是角色写实主义设计的巅峰时期。解剖学被充分地研究。科幻作品的流行让人们真正地探索解剖学这个概念。数字动画的诞生，使动画角色能够保持精度。
《攻壳机动队》剧场版（1995）
《攻壳机动队》中草薙素子这个角色被绘制得绝对精准。影片最突出的一个场景是片末她与坦克的战斗中义体损毁的片段。她的骨骼、肌肉和比例都是精确的。实现了震撼的效果。
《攻壳机动队》里所有的设计都在展现人类和技术之间的对比：巴特巨大的机械体格与他对草薙素子脆弱的感情的对比；抵制义体化的陀古萨，使用经典的左轮手枪来表达他更具有人类一面的生活方式。
好的角色设计是能够表达出内涵的，《攻壳机动队》里的设计就是好的典范。这种真实的设计趋势在之后几十年的好作品中得以延续。
今敏的《未麻的部屋》是另一个极度使用写实主义的例子。
《未麻的部屋》（1998）
未麻的身体设计得比较柔弱，不像《攻壳机动队》里的硬朗角色。电影通过危及柔弱的身体来创造紧张的气氛。在影片末尾的打斗戏中，女主角的受伤让人多么不安。影片通过如此写实的角色设计表达出强烈的视觉冲击力。
《星际牛仔》的设计当然不能不提，该片的角色设计可能是最酷的。每个角色都被设计得个性鲜明。
《星际牛仔》（1998）
斯派克的爵士范发型和西装反映出他随遇而安的个性。费的暴露着装显示了她对自己女性吸引力的自信。杰特的硬汉设计，秃顶的头发和简单的着装展现了其直截了当的个性。
上世纪90年代的另一面则是对80年代的延续。动画《圣天空战记》在《超时空要塞》明亮浮华的风格上，加入一些必要的复杂性来打造得更精致。它采用了老派的设计。人物设计也很复杂。给人一种日式角色扮演游戏的感觉。该片从上世纪80年代的写实主义转变到非写实设计：在头发中加入反射光，成为当时的一种潮流。
《圣天空战记》（1996）
机器人动画的角色设计继续发展。《新世纪福音战士》在设计这些角色时喜欢利用颜色做对比。该作中的机器角色都有自己独特的颜色。这种手段以往被用于人物设计。
《新世纪福音战士》（1995）
五、90年代末和21世纪初
90年代末和21世纪初，动画作品数量暴增，大量的工作室不得不为较小的市场做更多的实验项目，这极大促进了角色设计的数量和发展。
这一时期出现了一场非常有趣的实验动画浪潮。《玲音》和《幻影死神》这类作品以暗黑著称。这些实验性角色大多基于传统设计。只需稍作调整以适应作品所需的气氛。
《玲音》（1998）
玲音的眼睛和头发与主流设计并没有很大差异，只有一些用以区分的细微差异。因此把《玲音》的角色稍做调整，就可以变为轻松喜剧表演设计的角色。
SHAFT公司推动了实验性设计的流行，其作品诸如《物语系列》和《魔法少女小圆》的设计非常受欢迎。
《化物语》（2009）
21世纪早期，京都动画的设计自然是无法绕开的。当我们探讨那种水灵灵眼睛的萌系动画风格时，京都动画真的是顶峰。《Air》和《Kanon》的设计都非常可爱。
《Kanon》（2006）
京都动画在后面几年里改进了这种风格。例如《轻音少女》。角色设计仍然很可爱，但角色的眼睛设计得更微妙更简单。
《轻音少女》（2009）
在过去的15年里，很多设计师试图复制京都动画的特点。京都动画几乎开创了一种独特的风格，可以说是现在大家都在谈论的那种萌系风格的影响源。
六、最近十年
近年来，角色设计向各个方向发展。即使是最细微的细节都能成为角色自己的风格。再想追踪所有特点的发展几乎成为不可能。但你总能看到一个设计源于何处。
我们可以从《天元突破》的女性设计中看到和《飞跃巅峰》的角色强烈相似。
《天元突破》（2007）
汤浅政明的实验作品《海马》中的设计几乎是对上世纪60年代的极简设计的致敬。
《海马》（2008）
以上内容参考整理自Youtube视频，如果你想了解更多，请点击这里收看完整字幕版的视频解析：
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无论动画角色设计发展成什么样子，这些最初的设计所带来的感动与回忆都不会消失。欢迎学术趴的小伙伴们在评论中分享你所钟爱的经典角色设计吧。
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